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La Sardegna piange Roberto Coroneo

2012-01-11T13:46:00.000-08:00

A soli 53 anni ci ha lasciati Roberto Coroneo, una delle menti più brillanti della Sardegna. Luminare di storia dell'arte medievale sarda, stimato preside della Facoltà di Lettere nonchè uomo di grande sensibilità e umanità. Un'immensa perdita per la cultura sarda e non solo. Addio Roberto, ci mancherai.

Icon (on) Graphy - IL BACIO

2011-12-28T10:58:00.000-08:00

Icon (on) Graphy alla seconda puntata. E dopo la Pietà, un altro rapporto umano. Certo meno drammatico. Si parla di baci, ovviamente. Dalla castità raffigurata da Giotto allo scambio di effusioni durante gli scontri di Vancouver

Dammi mille baci, poi cento poi altri mille, poi ancora cento. Se riusciamo a collocare il primo componimento sul bacio al I secolo a. C. - grazie al carme di Catullo - non è invece data a sapere la sua più antica trasposizione iconografica. Deriva dalla trasformazione dell’atto materno di nutrire la prole dopo aver masticato il cibo, a detta degli antropologi, viene quindi fatto risalire alla preistoria.

Nonostante ciò gli esempi più arcaici del bacio sono da ricercarsi in ambito attico tra la ceramica greca a figure rosse - dove scene d’amore platonico, saffico ed efebico sono assai diffuse - e successivamente in alcuni degli affreschi pompeiani, come quello dedicato a Polifemo e Galatea. Seguito tre secoli dopo dal gruppo scultoreo di Amore e Psiche, rinvenuto a Ostia antica nell’omonima domus.

Come testimoniano i codici miniati, il bacio assume nel Medioevo una connotazione sociopolitica poiché diventa forma di contratto oltre che simbolo dell’amor cortese, ma le trasposizioni sono da ricondurre esclusivamente ad episodi evangelici, in particolare al bacio di Giuda.

Da quello del mosaico di Sant’Apollinare Nuovo agli affreschi dell’Abbazia di Sant’angelo in Formis per arrivare a Giotto che, nella Cappella degli Scrovegni, raffigura anche il casto bacio tra Anna e Gioacchino, non dissimile da quello della Visitazione di Vittore Carpaccio in quanto liturgico.

Unica tipologia di bacio concessa fino al XIII secolo quando inizia a liberarsi da quell’aura di peccato per assurgere ad espressione d’amore col Bronzino, artefice del primo bacio alla francese tra Eros e Afrodite. Fino a farsi sempre più audace e sensuale con Rubens e giungere al suo trionfo con le vedute voyeuristiche di Boucher e Fragonard.

Nel XIX secolo, quando è la letteratura a farla da protagonista, il bacio è al culmine della sua rappresentazione. Giulietta e Romeo, Paolo e Francesca, Ginevra e Lancillotto forniscono abbondante materiale a Romantici, Preraffaelliti e Simbolisti consacrandolo a simbolo di tragedia e passione.

E se Canova recupera il modello di Amore e Psiche, Francesco Hayez affida il più celebre bacio a una coppia sconosciuta di amanti, mentre Franz Von Stuck s’ispira all’enigma della Sfinge, motivo millenario ritornato in auge da fine ‘700.

Ampiamente sfruttato dagli esponenti delle avanguardie, da Munch a Klimt, da Chagall a De Chirico fino a Magritte con gli inquietanti amanti incappucciati, farà la fortuna di fotografi come Alfred Eisenstaedt e Robert Doisneau che catturano baci appassionati tra la folla, per diventare sempre più trasgressivo.

Dal bacio erotico e carnale di John Currin a quello grottesco di Joel Peter Witkin, passando per i dissacranti Robert Gligorov e Kulik in posa con cani e maiali. Non è motivo nuovo per Benedetton che, dopo trent’anni dal prete e la suora, estorce vigorosi baci ai leader mondiali tra i quali Benedetto XVI alle prese con l’Imam de Il Cairo, ovviamente censurato.

Ebbene sì, malgrado il romantico quanto discusso bacio di Vancouver durante la guerriglia urbana ad opera di Richard Lam, siamo lontani anni luce dai tempi de la bocca mi baciò tutta tremante.

Venezia è sempre Venezia

2011-12-15T09:22:00.000-08:00

Crea i rendering degli edifici progettati nel corso del ‘900 e mai realizzati per sovrapporli allo scatto originario. Stiamo parlando del fotografo spagnolo Dionisio Gonzalez, che rende un omaggio postumo e in parte provocatorio alla Serenissima con la serie Las Horas Claras. Alla Project B fino al 13 gennaio...

Rendere visibile l’invisibile mettendo in discussione la percezione della realtà. Sbalordire e disorientare, trasfigurando l’identità di un luogo, per suggerire un immaginario alternativo, talvolta estremo. Queste le peculiarità del codice espressivo di Dionisio Gonzalez, il cui punto di forza è il connubio tra rigore fotografico e fantasia architettonica. Per una sorta di rielaborazione dei capricci barocchi in chiave contemporanea.

Direttamente dall’appena conclusa Biennale, una serie di 6 lightbox dedicata alla città senza tempo per eccellenza, ricrea virtualmente gli edifici progettati nel corso del ‘900 e mai realizzati per introdurli, a sorpresa, laddove avrebbero dovuto sorgere e infrangere il sacrale aspetto di Venezia. Le Corbusier, Wright, Louis Khan, Aldo Rossi e perfino Palladio, sono le archistar che hanno tentato di cambiare volto alla Serenissima, immutato e sospeso nel tempo e perciò unico al mondo. Quella di Gonzalez è una Venezia come non l’avete mai vista e come (quasi certamente) non la vedrete mai.

Between Earth and Sky. Cronaca postuma di un happening d'arti visive

2011-11-21T07:31:00.000-08:00

Ma come possono gli uomini far fronte alle tensioni terrene, se non sanno nulla della tensione tra cielo e terra. (Dietrich Bonhoffer)

Archè di tutte le cose per gli antichi filosofi greci nonché flusso primordiale che origina la vita, l’Acqua è uno dei quattro elementi naturali della cosmologia aristotelica. Padrona indiscussa della natura ma anche potente metafora dell’inconscio collettivo, non a caso è il più carico di significati simbolici e come tale ambivalente a tutti livelli. Infatti può connotarsi fonte di vita ma anche fonte di morte, forza creatrice quanto distruttrice se è vero che, parafrasando Ovidio, nulla è più duro d’una pietra e nulla è più molle dell’acqua. Eppure la molle acqua scava la dura pietra.

In continuità tra cielo, terra e mondo sotterraneo, l’acqua rappresenta il legame tra maternità e spiritualità, ma è per antonomasia simbolo di purificazione e rigenerazione. Attraverso il Battesimo libera dal peccato originale, e tramite il Gange - madre di tutte le acque - è capace di cancellare le colpe più terribili, dal momento che l’acqua è il simbolo del principio, una sorta di specchio celeste, di elemento primevo dotato di straordinarie qualità, prima fra tutte, la capacità di purificare.

Acqua come origine di ogni forma di vita, acqua come sostentamento indispensabile in quanto feconda la terra, acqua come bene comune dell’umanità, acqua come elemento plasmante dell’universo poiché tutto circonda. Quello tra uomo e acqua è un legame indissolubile le cui origini risalgono all’alba dei tempi e che ha dato luogo a un universo popolato di miti e leggende poiché, come scrive Bachelard, è vicino all’acqua che ho meglio compreso che il fantasticare è un universo in espansione, un soffio di odori che fuoriesce dalle cose per mezzo di una persona che sogna.

Between Earth and Sky - Tra Cielo e Terra è una rassegna d’arti visive che, sulla base di un dialogo immediato d’interazione e scambio, intende accorciare le distanze tra pubblico e artista e approfondire il rapporto tra uomo e natura attraverso i quattro elementi - nello specifico l’acqua - dal momento che il centro barbaricino di Sadali, immerso nella vegetazione più rigogliosa, annovera quaranta grotte e due cascate naturali. Gli interventi, che prevedono pittura, scultura, installazione, grafica, fotografia e video, hanno l’obiettivo di interagire con l’ambiente, la cultura e la popolazione in una rete di collaborazione e confronto per contribuire alla diffusione dell’arte contemporanea anche nei piccoli centri. Aprendo nuovi scenari e spazi di riflessione che scandiscano la pluralità dei linguaggi estetici in quanto, a detta di Duccoli, una goccia d’acqua è abbastanza potente da creare un mondo e dissolvere la notte.

Cronaca postuma di un happening d’arti visive

Laboratorio collettivo d’indagine creativa di arti visive e performative, Between Earth and Sky si è svolto nell’arco di tre giorni articolato in tre principali interventi che hanno visto un gruppo di 19 artisti - Silvia Argiolas, Giusy Calia, Alessio Onnis, Francesco Podda, Elisabetta Falqui, Veronica Gambula, Marta Fontana, Gavino Ganau, Pastorello, Stefano Cozzolino, Valentina M, Gianni Nieddu, Gabriele Pais, Antonio Bardino, Bruno Petretto, Luigi Bove, Lorenzo Oggiano, Gruppo Sinestetico, Andrea Portas - esporre opere pittoriche, fotografiche e video all’interno di alcune abitazioni non più utilizzate, disseminate nel centro del paese, che conservano in parte antiche mobilie e attrezzi da lavoro, e nella piccola chiesa di San Valentino, che ha ospitato alcune sculture; altri 8 artisti - Paola Porcedda, Raimondo Gaviano, Maria Grazia Oppo, Raffaello Ugo, Enrico Piras, Gianfranco Setzu, Giulia Casula, Elisa Desortes - nel corso delle tre giornate hanno realizzato un’opera site specific tra le vie del paese e in alcuni spazi del centro storico per un happening che ha consentito di analizzare differenze e pluralità di linguaggi e confrontare i diversi punti vista che hanno visto l’acqua protagonista incontrastata.

Quello di Enrico Piras è uno sguardo che nasce dall’idea dell’acqua come metafora del viaggio demandata a un vecchio baule - proveniente dall’ex ospedale psichiatrico di Sassari - colmo di piume dei cuscini usati dai pazienti, che diffonde la registrazione del passaggio di un trenino elettrico. Fil rouge tra l’esperienza psichiatrica e la dimensione del viaggio mentale. E’ ancora il viaggio, ma in questo caso onirico, a farla da protagonista nella video-installazione a due canali di Paola Porcedda e Svart1, che prende spunto dai boschi lussureggianti di Sadali e dalle sensazioni ipertrofiche di un visitatore che si addentra nella boscaglia. Dai contrasti di luci e ombre che s’insinuano tra le rocce e al loro riverbero, ai movimenti quasi impercettibili di piante e insetti, tutto è congeniale a profilare un’esplorazione intima della natura che diviene oggetto dell’immaginario collettivo.

Una riflessione sulla frontiera tra il sé e l’altro, sui confini e sul loro attraversamento mediante la ripresa fissa della poppa di una nave e della sua scia, è Land! l’installazione video di Giulia Casula che, dal tramonto all’alba, scandisce il solcare delle acque proiettato sul lenzuolo che riveste un letto, ad evocare una dimensione domestica, elemento costante nella ricerca dell’artista. In antitesi al decreto legge sulla privatizzazione dell’acqua, Requiem di Raffaello Ugo si configura come un meccanismo di elementi di riciclo che funziona come un mulino ad acqua facendo risuonare un batacchio ad emulare il suono di una campana a raccolta. Campanello d’allarme che invita a prendere atto che l’acqua, privata da quella sacralità che la contraddistingue, è oramai bene commercializzabile. Stesso concetto per installazione di Maria Grazia Oppo - costituita da elementi plastici dalla connotazione fallica -, incastonata tra le rocce della cascata che, tra artificialità, simulazione e fertilità, vede l’acqua come risorsa primaria dell’ecosistema sottoposta a leggi di mercato che rischia di compromettere quel labile equilibrio tra uomo e natura.

E se Elisa Desortes interpreta tutti e quattro gli elementi e li racchiude in piccole gabbie per uccelli che dissemina nell’atrio di casa Podda, Gianfranco Setzu tappezza il centro storico con i poster HolyWater, fittizia campagna pubblicitaria in versione pop per una visione irriverente e straniante dell’elemento vitale per antonomasia che si trasfigura in acqua santa. La rassegna si è conclusa con la performance di un gruppo di writer, armato di mascherine e bombolette spray - Alberto Marci, Michael Chavalier, Jonathan Solla, Alessio Angioni - al quale è stata messa a disposizione la piazza adiacente alla cascata centrale per dare sfogo ad un immaginario fantastico fatto di pesci e uccelli dai cromatismi sgargianti.

Icon (on) Graphy - LA PIETA'

2011-11-14T08:39:00.000-08:00

I soggetti iconografici e la loro evoluzione nel corso dei secoli. Ovvero come ti traduco le immagini in un viaggio attraverso le epoche. Analizzando temi religiosi, biblici ed evangelici, figure allegoriche e fantastiche, personaggi mitologici e santi, avvenimenti storici, elementi della natura e oggetti. Icon (on) Graphy prende avvio con l’analisi iconografica della Pietà.

Nel penultimo atto della Passione, tra la Deposizione e il Compianto, s’inserisce uno dei motivi più drammatici: il momento in cui Maria prende consapevolezza della morte di Cristo. Parliamo della trasposizione iconografica della Pietà la cui origine è da ricondursi a Simeone Metafraste, agiografo del X secolo, che per la prima volta descrisse l’episodio fino ad allora ignorato dai Vangeli e dall’arte paleocristiana. Un’interpretazione prettamente umana del dolore materno di fronte alla morte del figlio si traduce con la Vergine che sorregge il corpo esanime di Cristo sulle ginocchia prima di affidarlo a Nicodemo e Giuseppe d’Arimatea per la sepoltura.

Di origine germanica, l’iconografia prende spunto dal gruppo scultoreo denominato Vesperbild e si diffonde tra Francia e Italia dalla seconda metà del XIV secolo. Uno dei più antichi esempi è la Pietà Roettgen, scultura lignea che, per il forte impatto emotivo, appare connessa al Crocifisso di tipo renano, cruento per la minuta descrizione di piaghe e ferite e per il dolore che traspare dalla muscolatura contratta.

Ma la diffusione capillare è da collocarsi in epoca rinascimentale dove artisti come Cosme Tura, Ercole de Roberti, Giovanni Bellini, Sebastiano del Piombo si misurano con l’episodio senza sostanziali variazioni se non per alcuni tra i quali Botticelli, Raffaello e Tiziano che introducono altri personaggi come la Maddalena, San Giovanni e Nicodemo. Sino ad arrivare alla Pietà per antonomasia. E’ con Annibale Carracci che l’iconografia si modifica sostanzialmente con Maria che, lacerata dal dolore, si adagia mollemente sul bordo del sarcofago chiudendo gli occhi.

Tra Seicento e Settecento le raffigurazioni diventano meno frequenti sino alla seconda metà del XIX quando Gustave Moreau realizza una Pietà come opera prima, seguita da quella con angeli di William Adolphe Bourguereau e dall’interpretazione che ne dà Van Gogh ispirandosi a Delacroix. Assume valenza di provocazione e dissacrazione con Marina Abramovich, - e la performance Anima Mundi in duetto col compagno dell’epoca - e Sam Taylor Wood, che si autoritrae sulle scale con l’attore Robert Downey.

E se per Sukran Moral la Pietà è al femminile, per Renè Cox è rigorosamente afro-americana. David LaChapelle mostra il corpo devastato di una vittima per droga sorretto da Courtney Love, mentre femmina e piccolo di scimmia impersonano una pietà in versione animale nel manifesto pubblicitario per la Lega Antivivisezione.

Le versioni più recenti risalgono alla 54. Biennale, ad opera di Lee Yongbaek, per il padiglione Coreano, e di Jan Fabre, nella michelangiolesca trasposizione dove lo stesso artista, in abito da sera, viene sorretto da una Vergine il cui volto è divenuto teschio. Una Pietà-vanitas, monito dell’impietoso scorrere del tempo.

Into the wild - La mostra

2011-11-14T07:13:00.000-08:00

Into the wild è una riflessione sul rapporto uomo/natura in epoca contemporanea e sulle condizioni tutt’altro che ideali in cui quest’ultima versa a causa dell'agire superficiale dell'uomo, nel tentativo di bloccarne il suo slancio vitale che la dirige verso un’evoluzione creatrice, per parafrasare Bergson. Riflessione obbligata per la precarietà di un pianeta sull’orlo del collasso, dato che il sogno alchemico, la ricerca della chiave che apre i segreti dell’uomo e della natura, non verrà mai abbandonato. Ma vuole essere anche motivo di confronto fra artisti con differenti background che attraverso il medium pittorico riflettono sul rapporto tra l’uomo e la natura in epoca contemporanea.

Ambito, quello della pittura, che nell’ultimo decennio ha subito un profondo mutamento rispetto alla Nuova Figurazione degli anni ‘90 per la capacità di guardare contesti come pubblicità, fumetto, illustrazione, cinema, web, musica e graffiti, senza trascurare la tradizione pittorica dei maestri, dal Rinascimento alle Avanguardie. In una contaminazione tra cultura alta e cultura bassa, sono emersi linguaggi definiti Neo Pop - solo in parte ispirati alla Pop Art storica - tendenzialmente caratterizzati da un insieme di fonti iconografiche e da diverse declinazioni stilistiche e tematiche. Quella delle ultime generazioni è quindi una pittura ibrida proveniente dalla cultura di massa che rispecchia l’epoca contemporanea nelle sue contraddizioni e conflitti attraverso il filtro del gusto grottesco ma anche fantastico, quando non è ironico o irriverente.

Un immaginario multiforme che spesso si tinge di nero per evidenziare aspetti irrazionali di un’umanità alienata in balìa di ansie e ossessioni. Così come avviene all’interno della tendenza estetica Neo Gotica che indaga il lato oscuro dell’esistenza e alla quale appartiene l’opera di Giuliano Sale che traccia lo spettro di una natura inquietante, matrigna e terrifica che lava il sangue delle sue vittime nelle acque dell’oblio. In uno scenario cupo e desolato, sospeso tra sogno e incubo, preso in prestito da visionari come Böcklin e Friedrich, per riallacciarsi grottescamente all’aforisma di Byron: c’è una gioia nei boschi inesplorati, c’è un’estasi sulla spiaggia solitaria, c’è una vita dove nessuno arriva al mare profondo.

Stesso ambito anche per Daniele Serra, la cui opera origina da una visione dell’uomo come parte integrante della natura, ma incapace - nella sua individualità - di comunicare con essa. Con conseguenze che sfociano in calamità naturali, dall’impetuosità devastante, che non possono non ricollegarsi a Turner e alla sensazione panica che le sue opere trasmettono. Atmosfere sinistre e solo apparentemente silenziose identificano la natura matrigna e ostile di Alessio Onnis, dove una casa desolata, inserita in un ambiente aspro e selvaggio, altro non è che l’illusione di un rifugio dove l’uomo si scopre improvvisamente recluso. La sensazione di pericolo imminente e la presa di coscienza di ciò ben si coniugano allo stato plumbeo di quell’espressionismo che rientra nell’area nord europea.

Lo stesso che riguarda la pittura introspettiva di Silvia Argiolas che, tra ibridazione e mutazione, asseconda un’umanità che non può prescindere dal paesaggio, in una perfetta armonia che unisce uomo e natura e al tempo stesso li respinge. Il suo è uno sguardo autobiografico sulla solitudine interiore che diventa isolamento e alienazione. In un contesto dove personaggi antropomorfi seguono il ciclo morte-rigenerazione finalizzato all’unione viscerale tra natura e umanità in cui l’uomo sembra recitare: io sono la natura massima entità e i nostri occhi sono uguali al cielo.

Attinge alla poetica Simbolista e in parte a quella Preraffaellita, la visione surreale di Nicola Caredda dove una natura incontaminata e lussureggiante si apre davanti allo sguardo di un inquietante Cristo Uno e Trino. Tra sacro e profano, la minuta e particolareggiata descrizione del paesaggio, unita all’atmosfera fiabesca fatta di sottili metafore, delinea l’appartenenza dell’artista all’universo underground di graffiti e tattoo, in un linguaggio colto e al tempo stesso popolare. Stesso discorso per Paolo Pibi la cui pittura enigmatica, dalle atmosfere campestri e i toni lievi, è più incline a quella tendenza definita Neo Folk fatta di atmosfere surreali e temi tratti della tradizione popolare.

Nasce dalla serie Dissolvenze, l’opera che indaga sul precario equilibrio tra uomo e natura attraverso l’anima mundi, principio universale secondo cui gli tutti gli organismi sono parte di una comune anima. Sempre alla tradizione, ma stavolta di stampo tardo-medievale, guarda il boia di Cane Celeste - archetipo dell’uomo tratto dalla serie Spoon River - ispirato alla pala d’altare Crocifissione con donatore di Hieronimus Bosch per mettere l’accento sulla natura malvagia dell’uomo che ha come conseguenza la morte per sopraffazione. Nel tentativo di creare un effetto destabilizzante per la commistione tra passato e presente.

Sulla linea di confine tra figurazione ed astrazione s’inserisce l’opera di Pastorello dove natura e natura della pittura sono tutt’uno, poiché le leggi della natura governano il mondo quanto le leggi della pittura dominano l’opera. In un contesto metafisico, dove l’assenza è anche presenza inquietante, fondato sulla rigorosa semplificazione e il geometrismo formale, fatto di alberi tubolari sospesi nel vuoto che non proiettano ombre dal momento che tutto è luce e pittura. Al suo misurato equilibrio formale e alla linearità sintetica si contrappone l’irrazionale codice espressivo infantile - di un linguaggio volutamente ingenuo -, di Silvia Mei il cui messaggio bucolico è quello di riscoprire urgentemente il senso della vita e la propria appartenenza attraverso la natura, affinché l’uomo non dimentichi le proprie radici capaci di metterlo in relazione col tutto.

Monito non lontano da quello messo in scena da Stefano Cozzolino che intende rappresentare i sinistri presagi di una natura minacciosa e l’angoscia dell’individuo di fronte alla sua immensità. Una situazione allarmante, al limite del degrado, nata dal repentino e invasivo progresso tecnologico, sfociato nel più sfrenato consumismo, a discapito di una natura che inevitabilmente sembra soccombere. Così come si legge nell’opera di Gianni Nieddu, dove un’umanità allo sbando, incarnata da una limousine, da potenza imponente trasmuta in innocua “macchina” davanti alla grandiosità della natura, convulsa e travolgente, simboleggiata da vorticosi tornanti.

Più vicino ad un’estetica prettamente pop, quella Nicola Mette è una pittura liquida e immediata che fa da sfondo ad una linea grafica raffinata che prende in prestito la favola del Leone e del Cervo adeguata a rappresentare un meccanismo di causa-effetto, dove un rinoceronte, braccato dall’uomo per le sue preziose corna, da vittima si trasforma in carnefice. Esortazione a non sottovalutare la capacità di autodifesa della natura. Appartenente a quella che è denominata Scuola di Lipsia, l’opera di Gavino Ganau si sviluppa invece all’interno di una dialettica metaforica tra uomo, natura e cultura. In un contesto naturale alterato si muove la figlia dell’artista a rappresentare la trasmutazione dell’uomo in un individuo “altamente” civilizzato, fagocitato da sé stesso, la cui esigenza più urgente è quella di mantenere il proprio status sfruttando le risorse del pianeta. Per non dimenticare che, per citare Shakespeare, se si concede alla natura nulla di più dello stretto indispensabile, la vita dell'uomo vale meno di quella di una bestia.

Into The Wild

2011-10-29T06:13:00.000-07:00

Vivere, soltanto vivere, in quel momento in quel luogo. Senza mappe, senza orologio, senza niente. Montagne innevate, fiumi, cieli stellati. Solo io e la natura selvaggia.

(dai dialoghi del film “Into the wild” di Sean Penn)

Sia che essa sia crudele matrigna o madre benevola, incontaminata e primordiale o selvaggia e desolata. Sia che si prospetti come forza creatrice o potenza distruttrice, come luogo o non luogo, la natura è da sempre oggetto di dominio da parte dell’uomo, nonostante uomo e natura siano due manifestazioni dell’Unico Spirito Assoluto, a detta di Schelling, ovvero un connubio tra realtà terrena e realtà ultraterrena.

Già Bacone la reputa un oggetto di sfruttamento a vantaggio dell’umanità, al contrario di Goethe che la considera un essere vivente, un’opera d’arte da esplorare di cui l’uomo è responsabile dal momento del suo ingresso tra i comuni mortali. La natura non conosce né passato né futuro, il presente è la sua eternità e nulla accade che sia in rapporto col tutto. Inutile dire quanto la lotta dell’uomo contro la natura fallisca miseramente poiché essa si difende laddove il suo equilibrio è intaccato e inevitabilmente riconquista ciò che violentemente le è stato tolto. Né siamo testimoni impotenti e vittime consapevoli al suo scatenarsi, di questi tempi più che mai.

Non è cosa nuova l’inesorabile destabilizzazione della società e l’avvio dell’umanità in direzione di una condizione devastante e senza ritorno a causa del continuo e repentino progresso tecnologico e della globalizzazione che avanza, dal momento che la società tecnologica estrania gli uomini non solo dal resto della natura, ma anche da se stessi e dagli altri*. Si prospetta quindi urgente l’esigenza di riscoprire un equilibrio tra umanità e natura nel tentativo di evitare altri processi irreversibili, dopo lo sterminio di specie animali e vegetali, l’alterazione di cicli biologici e climatici e le gravi ripercussioni sull’umanità. Ostaggio di quella forza dirompente e schiacciante che incarna la natura quando distrugge, trasforma e ingloba. Nonostante ciò la natura non è crudele, è solo spietatamente indifferente**, presupposto assai difficile da accettare per l’essere umano che ammette effetti positivi e negativi ma non l’indifferenza al dolore.

Into The wild

group show a cura di Roberta Vanali

Galleria Meme, Cagliari

dal 4 novembre al 24 novembre

Silvia Argiolas, Nicola Caredda, Cane Celeste, Stefano Cozzolino, Gavino Ganau, Silvia Mei, Nicola Mette, Gianni Nieddu, Alessio Onnis, Pastorello, Paolo Pibi, Giuliano Sale, Daniele Serra

* Konrad Lorenz, Il declino dell’uomo, Mondadori, Milano, 1987

** Richard Dawkins, Il fiume della vita. Cos’è l’evoluzione, Sansoni Editore, 1995, pag. 98

*** Stefano Zecchi, introduzione a W. Goethe, Metamorfosi delle piante, Guanda Edizioni,1983, pag. 9

ICARUS' DREAM

2011-10-18T06:04:00.000-07:00

Le utopie si offrono a noi sotto il velo della finzione e della fantasia, un velo a volte tanto sottile che vi si legge in trasparenza un altro mondo, colmo di segreti nascosti e simboli.

(Jean Servier)

Non è più tempo di ripensare all’isola fantastica di Thomas Moore abitata da una società ideale, in quest’epoca caotica e drammatica dove le utopie inevitabilmente soccombono davanti a una realtà sempre più stretta che non lascia spazio ai sogni. Nonostante non valga la pena di posare lo sguardo su un mappamondo che non includa Utopia. Si escluderebbe l’unica terra cui l’uomo non ha mai smesso di approdare

Con la fine delle utopie l’inquietante mondo liquido moderno non può che precipitare negli abissi infernali, per parafrasare Bauman, dal momento che farne a meno vorrebbe dire precludere i sogni e quindi rinunciare a ciò rende più vivibile la vita. Infatti è tramite l’utopia che il mondo talvolta appare più tollerabile così come il dolore dell’esistere o l’angoscia della fine. La sua assenza ha provocato la perdita di una dimensione imprescindibile per l’umanità, che priva della capacità di attingere all’immaginario creativo con un conseguente impoverimento d’iniziativa progettuale che si ripercuote sull’intera società. Diventa quindi urgente l’esigenza di ripensare l’utopia - termine utilizzato per lungo tempo per definire l’impossibile e l’irreale -, perché rinunciare ad essa significa rinunciare a una parte dell‘esistenza. E quale ambito, se non quello delle arti visive si prospetta ideale all’immaginazione più sfrenata nonostante la sua condizione effimera, dal momento che, come sosterrebbe Magritte, i sogni non vogliono farvi dormire, al contrario, vi vogliono svegliare?

Icarus’ Dream vuole essere uno sguardo diretto sui diversi aspetti dell’utopia in epoca contemporanea, sul bisogno - oggi più che mai - di mettere in atto un sovvertimento della realtà, un paradiso artificiale creato dall’uomo contro l’appiattimento imposto dalla società, poiché l’utopia riempie il vuoto fra un Paradiso perduto e una Terra promessa

. Un vuoto che si configura come non-luogo, riferimento non a caso considerato che il termine non solo deriva da eutopia, ossia “buon posto”, ma anche da outopia che significa “nessun posto”.

Il genere utopico sottintende un’utopia positiva (La Repubblica, La Città del sole), che propone mondi alternativi possibili per un futuro migliore, e un’utopia negativa o distopia (La fattoria degli animali, Blad Runner, Fahrenheit 451), che origina dalla consapevolezza di un destino tragico e inevitabile. Al primo gruppo appartiene la maggior parte delle opere in mostra: dal work in progress di Giulia Casula, un viaggio di esplorazione della memoria del passato per tradurre il presente, attraverso antiche immagini e oggetti che diventano reliquie; all’icona religiosa di Gianluca Vassallo, riproduzione seriale di un’utopia rassicurante dove trasferisce le inquietudini post-dogmatiche del presente; sino al presagio catastrofico dell’opera di Francesco Podda dove Icaro è prossimo alla morte e la speranza inevitabilmente morirà con lui. E se Elisabetta Falqui s’ispira all’agognata ora d’aria dei detenuti per esprimere l’utopia del tempo libero in una società frenetica e alienante, Paolo Carta insegue volutamente l’irraggiungibile poiché i trampoli sono il mezzo meno appropriato per spiccare il volo. Più drammatico lo sguardo di Franco Casu che s’interroga sulle conseguenze dell’abbandono che si riflettono sulla nostra esistenza quando i sogni vengono a mancare.

Hanno una visione più positiva e propongono mondi alternativi ludici: Giusy Calia, con l’utopia di un’infanzia ritrovata, e Stefano Serusi, che prende in prestito il triplano del Barone Rosso per il modellino-giocattolo che precipita conficcandosi su un vaso con uno sguardo ironico che gioca sulle proporzioni. E mentre Monica Lugas provoca effetti stranianti con la foto-installazione al confine tra sogno e realtà, Elisa Desortes, armata di piume come Icaro e di un buon campo di partenza, volge definitivamente le spalle alla realtà. Così come Chiara Demelio, la cui opera scaturisce dall’indagine dei diversi aspetti di una società e di un territorio in continua evoluzione che omette punti di riferimento stabili per raggiungere ciò che sta altrove.

In definitiva, dal momento che il nostro è il peggiore dei mondi possibili, l’utopia potrebbe essere l’unica via d’uscita da questo vortice devastante, se è vero che la parola utopia rappresenta nell’uso comune lo stadio ultimo dell’umana follia o dell’umana speranza

. A voi la decisione finale.

ICARUS DREAM

group show a cura di Roberta Vanali

dal 22 ottobre al 3 dicembre 2011

Spazio Quimica

viale Diaz 104

Foreign Soul di Nicola Mette

2011-09-29T06:02:00.000-07:00

Guarda! Un uccellino sconosciuto entra ed esce dalla gabbia!
Fratello di Lalon, la mia mente vorrebbe legarlo con le sue catene.
Guarda, una casa di otto stanze con nove porte.
Le chiudo e le apro, tra le porte finestre, ne hai visto il riflesso?
Mente Lalon , sei come un uccellino imprigionato!
La tua gabbia è di legno verde, ma un giorno si romperà.
Lalon ti dice:
"Apri la gabbia! Guarda come l'uccellino se ne va!" (Lalon Shah)

Una società senza distinzioni di razza, religione e casta che celebra la libertà della mente, del corpo e dell’anima, cantava il poeta mistico Fokir Lalon Shah. Predicava uguaglianza e amore poiché la sofferenza risiede nei cuori impuri, il rivoluzionario bengalese che ha sfidato il suo tempo con la semplicità dei sentimenti. Colui che ha indicato la strada della liberazione eterna e che, a detta di Tagore, ha scoperto l’essenza dell’uomo. Ovvero “l’anima universale che vive e opera dappertutto attraverso cose e pensieri.” La divinità che c’è in noi, irraggiungibile laddove i presupposti vengano meno.

Nel tentativo di instaurare una connessione ideale, ma sopratutto spirituale, tra la cultura occidentale secolarizzata - con tutte le sue contraddizioni e conflitti -, e quella mistica del Bangladesh, Nicola Mette si lascia sedurre dalla filosofia popolare di Lalon che oltre due secoli fa ha dato vita ai cantori folli di Dio: i Baul. Comunità di menestrelli erranti alla ricerca dello spirito divino che proclama l‘unione universale tra gli uomini accompagnandosi con l’ektara, strumento popolare ad una corda che l’artista ha reinterpretato per l’occasione, dal significato strettamente simbolico in quanto rappresenta l’unicità di Dio.

E’ un ritratto evanescente, risultato di una pittura liquida al limite della dissolvenza cromatica, il profilo monumentale dedicato al leader spirituale. Evocato come volontà di andare oltre la realtà per giungere all’essenza. Stesso concetto sviluppato nell’installazione Liberi di essere che chiude la celebrazione al mistico bengalese. Una teoria di manichini, ognuno di un colore diverso, emblematizza la rainbow flag a reclamare il riconoscimento delle libertà individuali e collettive, nello specifico la libertà all‘orientamento sessuale. Un intervento a favore di chi vorrebbe urlare la propria appartenenza, in questa società tanto progredita quanto discriminante che, nonostante assicuri pari dignità sociale, considera ancora l’omosessualità immorale e socialmente deviante.

L'Istituto Italiano di Cultura Bengalese, col patrocinio dell'Istituto Italiano di Cultura Bengalese e Ambasciata Bengalese in Italia, in occasione del Lalon International Festival 2011 Roma
presenta la mostra personale di Nicola Mette "Foreign Soul" a cura di Roberta Vanali
14 / 16 ottobre - Piazza Perestrello Municipio VI Roma

Foto di gruppo con calciatori

2011-09-28T12:58:00.000-07:00

Sette fondali scenografici, 7 vestizioni e 7 sonori che mutano a seconda del paese in cui viene presentato il progetto. Si, perché Poster (2006), la performance multiforme di Cristian Chironi (Nuoro, 1974) si adatta direttamente al territorio che la ospita. E dopo Milano, Bologna, Firenze e ancora Atene, Francoforte e Monaco, domani 29 settembre approda finalmente a Orani (Nu), paese natale dell’artista. E’ un viaggio a rebours, come direbbe Huysmans, un percorso controcorrente che mette sullo stesso piano passato e presente attraverso frammenti fotografici di vecchi album di famiglia. Foto di squadre calcistiche a grandezza naturale con tanto di allenatore dove il padre militava e dove l’artista s’introduce (a sorpresa) in tenuta sportiva, assumendo posture classiche.

Annullando i confini spazio-temporali, Cristian Chironi entra ed esce dai sipari fotografici che si susseguono ripercorrendo decenni e giocando con le pose plastiche in base all’epoca e ai cromatismi, da quelli saturi e sfalsati degli anni ’70 fino al bianco e nero degli anni ’50. Al ritmo masticatorio di un chewing-gum. Poster è uno sguardo diretto sui limiti dell’identità che trova i suoi punti di forza nella memoria individuale e collettiva sfruttando il gioco del football, costante del suo percorso che procede interrogandosi sui confini del corpo e sul rapporto tra il sé e l’altro.

Per l’occasione saranno presentate due serie fotografiche inerenti, appunto, l’ambito calcistico, in particolare le opere che ritraggono la comunità oranense, tra cui Offside (2007) e il video Stickers (2007) che per un mese accompagneranno i ricordi dei cittadini. Non rimane altro che aspettare il fischio d’inizio partita.

Città che vai, innesto che trovi

2011-09-25T12:07:00.000-07:00

E’ con Cecilia Viganò e il cantiere creativo della Bovisa che nasce il progetto Innestare. Su questa scia Giorgia Atzeni ha fatto delle sue illustrazioni degli innesti da scovare per le vie della città. Una caccia al tesoro che prevede una mappa online. Per poi fermarsi alla galleria Meme dare avvio a un nuovo ciclo di innesti. Ma solo fino al primo ottobre...

Sono piccole installazioni cartonate amovibili, minuscoli interventi di effimera durata documentati fotograficamente e pubblicati sul web per essere trasformati in indizi e tracciare una mappa online dei loro inaspettati avvistamenti. Spensierate teenagers corredate da ballon, mostrilli e casette sghembe, enormi teiere con tanto di pasticcini, sono alcuni degli innesti disseminati per le vie della città dall’illustratrice cagliaritana Giorgia Atzeni. Figurine ammiccanti che si palesano inattese dietro l’angolo o tra le pieghe dei palazzi nel riuscito tentativo di sorprendere e stimolare l’immaginazione. Innesti urbani da adottare o da lasciare al loro naturale corso ma anche da trasportare grazie all’intervento di chi si è preso la briga di trapiantarli nelle realtà urbane della penisola e all’estero.

Con la mostra alla Meme, l’illustratrice ha voluto dare avvio a un nuovo trapianto di innesti. E in attesa di nuovi “trasmigratori”, Firulì, Slurp e company hanno fatto da sfondo ai racconti di alcuni testimoni d’eccezione, tra i quali lo scrittore Francesco Abate.

Il poeta e l'alchimista. Kiefer vs Vedova

2011-09-08T04:49:00.000-07:00

Stratificazione materica e memoria storica come punti di contatto nell’accostamento voluto dalla Fondazione Vedova che vede il ciclo ...in continuum di Emilio Vedova, nell’ex studio sulle Zattere, a confronto con il site specific Salt of the Eart di Anselm Kiefer, nel restaurato Magazzino del Sale. A Venezia fino al 30 novembre

Un’opera d’arte totale che invade lo spazio e lo modifica. Un accumulo di memorie, di immagini mutevoli metafora della precarietà dell’esistenza e dell’operare artistico, tale vuole essere il ciclo pittorico senza inizio né fine concepito nell’arco di un anno (1987/88) da Emilio Vedova. Un progetto in continuum articolato in 109 tele dove memorie trasversali scorrono in un flusso irrefrenabile susseguendosi come frame filmici nonostante ogni opera mantenga la propria autonomia.

Sono immagini impetuose e dirompenti che sfruttano la drammaticità del bianco e nero per intrecciarsi e sovrapporsi, amalgamare sedimenti del passato e avvenimenti del presente che affiorano violentemente tra accentuati contrasti. E’ una pittura evocata che s’impone come energia pura, s’insinua e deflagra in forme mutevoli e universali condizionando tutto ciò che incontra e ponendosi in continuum non solo con se stessa ma anche con lo spazio circostante. Con un modus operandi condizionato da una matrice che imprime i non colori sulla tela sulla quale l’artista è intervenuto alla “cieca” dal retro. Il risultato è una tessitura di segni brulicanti che accumulano e stratificano materia pittorica in un continuo espandersi. Un tutt’uno imponente e drammatico che ingloba storia passata e presente.

Così come avviene nel progetto di Anselm Kiefer, opera corale incentrata sulla memoria dove realtà e mito si fondono. E dove appare d’obbligo oltrepassare i diversi stadi di mutazione, attraverso procedimenti simbolici, per spingersi verso zone della coscienza inaspettate. Perciò si serve di alchimia e cabala - attingendo al pensiero neoplatonico e ai testi mistici - per scandagliare l’eterno ciclo dell’esistenza, scrutare antichi saperi che siano in grado di ricondurre l’uomo ad un ragionevole equilibrio con la natura. Mettere in atto allegorie contraddittorie e simboli ambivalenti che raccontino la storia universale, purifichino il passato della Germania e favoriscano la rinascita spirituale dell’umanità.

Salt of the Earth si focalizza sulla componente alchemica che vede protagonista il piombo - collocato nel livello più basso del processo di trasformazione dell’oro - immancabile per la mutazione dallo stato liquido a quello solido, nonchè metafora di un tentativo di ascesa eterno in quanto ha un inizio ma non una fine. Il principio del processo è Athanor, la fornace che custodisce il fuoco eterno che brucia e purifica, scioglie l’umidità e la trasforma in sale per confluire nella seconda e imponente installazione Salt of the Earth risultato del processo di purificazione mediante l’elettrolisi che ossida e ricopre le lastre disposte come panni stesi ad asciugare. Chiude la trilogia Arche, il triangolo iniziatico simbolo delle tre formule alchemiche ma anche strumento di fusione tra passato e presente. Un processo inconcluso fatto di rimandi visivi e spaziali che apre le porte ad altri mondi. Possibili e impossibili.

Chi muove l'arte: carta d'identità di Roberta Vanali

2011-08-15T02:25:00.000-07:00

Generalità (nome, cognome, età, professione ect.)
Roberta Vanali. Cagliari. Critica e curatrice d’arte.

Collaborazioni (principali collaborazioni, mostre ect.)
Ho curato circa cinquanta mostre per gallerie e musei e scritto oltre 200 articoli. Dopo 10 anni di capo redazione Sardegna per Exibart sono passata ad Artribune.

Il tuo miglior pregio
La sincerità, o forse è un difetto?

Il tuo peggior difetto
I difetti abbondano ma il peggiore è senz’altro l’impulsività.

Qual è il collega che stimi di più?
Lorenzo Canova e Valentina Tanni.

E quello che ritieni meno interessante?
Alessandra Menesini.

Fammi tre nomi di artisti che ritieni in questo momento fra i più interessati
Silvia Argiolas, Matteo Sanna, Giuliano Sale.

La galleria, il museo o l’istituzione al top della tua classifica personale?
Museo MAN e MACRO.

Ed il fanalino di coda?
Tanti, ho l’imbarazzo della scelta...

Moderno o contemporaneo?
Contemporaneo, con un debole per tutto ciò che è Medievale.

Il ruolo del web nel mondo dell’arte
Fondamentale.

Progetti importanti per il futuro
Vivo il presente e al momento lavoro a due progetti, uno di fotografia e l’altro di pittura.

Sogno nel cassetto
Allineare la Sardegna al resto della penisola in materia d’arte, certo non è il massimo ma sarebbe già qualcosa.

Ricetta salva/crisi
Tabula rasa al governo.

Una tua confessione (quello che nessuno sa di te)
Odio confessarmi.

Intervista di Roberto Milani per
lastanzaprivatadellarte.blogspot.com

Photomoleskine: Roberta Vanali

2011-08-02T04:38:00.000-07:00

ROBERTA VANALI

Critica d’arte. Un’età circoscritta. Cagliari. E’ stato detto tutto su come si misura la verità. Ci sono libri defunti, dichiarazioni spontanee del Premier, padiglioni costruiti a secco dove si accalcano i fedeli. E poi residenze estive, settimane bianche, identità mutuate dagli oggetti.

La casa di Roberta ha un’odore d’orchestra che s’infila tra le memorie di tabacco, i sospetti di Isidoro e le mandorle fresche. Ha i capelli appena fatti e una bocca che precede il pensiero. Forse è l’effetto delle pareti rosse, la conseguenza di un’agire irrituale, ma le cose che che conosce, quelle sà dire sembrano venute dalla gola del dubbio, dal ventre esausto di chi non partorisce che altri da sè. Altro che il mondo.

Dal progetto di Gianluca Vassallo PHOTOMOLESKINE. Appunti visivi dalla Sardegna Contemporanea

http://www.gianlucavassallo.it/photomoleskine

Shopping col Museo Man

2011-07-15T06:54:00.000-07:00

Il Museo MAN mette l’arte in vetrina e lo fa con la collaborazione dei commercianti nuoresi nel non facile tentativo di superare i limiti fisici del museo come spazio espositivo convenzionale e lasciare confluire linguaggi e codici espressivi nella quotidianità più immediata. Questo l’obiettivo di MAN on Shops che mira a trasformare le vie cittadine in teatro aperto, una realtà creativa a disposizione di un pubblico eterogeneo sempre ben disposto a confrontarsi con le ultime tendenze dell’arte contemporanea. Sono 14 i primi artisti sardi invitati ad allestire le 17 vetrine dei negozi del centro storico. Dal 21 luglio interverranno Alessandro Biggio, Elisabetta Falqui, Marta Fontana, Gavino Ganau, Giuseppe (Grim) Moro, Monica Lugas, Fabio Melosu, Gianni Nieddu, Alessio Onnis, O² (Collettivo Ossigeno), Francesco Puggioni, Vittoria Soddu, Guido Sotgiu, Theo Viana.

Museo Ciusa, questo sconosciuto

2011-07-10T06:46:00.000-07:00

Nessuno lo conosce, tantomeno nessuno ne parla. Eppure è un piccolo gioiello nel cuore della Barbagia, un fiore all’occhiello che va ad affiancarsi al Museo Man ma che non ha la presunzione d’avere un minimo di risonanza perchè se così fosse non avrebbe esordito in sordina e persistito nell’errore. Infatti solo una parte degli abitanti di Nuoro è a conoscenza del Museo Ciusa e del Tribu, spazio riservato alle mostre temporanee.

Inaugurato il 20 maggio dello scorso anno per ospitare 60 opere dello scultore Francesco Ciusa, che hanno preso posto al secondo piano del complesso architettonico dell’ex Tribunale completamente ristrutturato nel 2004, il piccolo museo è caratterizzato da un percorso non rigidamente cronologico bensì “emozionale” - che culmina con La madre dell’ucciso, il cui bronzo originale, opera più celebre, ha preso parte alla Biennale di Venezia del 1907 - e dall’uso teatrale della luce che esalta e conferisce pathos alle opere che vanno dagli esordi fino agli anni Quaranta. Tra le più importanti un gruppo scultoreo che ruota intorno al progetto plastico mai concluso I Caniti, una sorta di poema dedicato alla società arcaica del mondo pastorale barbaricino, tra le quali la prima e l’ultima della produzione dell’iniziatore della scultura moderna in Sardegna. A completare il percorso alcuni elementi marmorei del distrutto monumento a Sebastiano Satta, lavori in terracotta e pasta di marmo e una serie di filmati d’epoca.

Al primo piano del complesso, invece, una vasta zona riservata alle mostre temporanee il Tribu, ha ospitato fino al mese scorso la mostra di Costantino Nivola L’investigazione dello spazio.

paperblog

2011-07-08T07:42:00.000-07:00

« Convalido l'iscrizione di questo blog al servizio Paperblog sotto lo pseudonimo robertavanali ».

Guarda come ti censuro (sottilmente) le LucidoSottile

2011-07-07T06:20:00.000-07:00

L’abbiamo vista in tutte le salse, non ultima quella di Fabre in Biennale, tant’è che è diventata uno dei soggetti più abusati dell’arte contemporanea, eppure in terra sarda la rivisitazione iconografica della Pietà, soggetto del manifesto che pubblicizza lo spettacolo Holy Peep Show delle LucidoSottile, ha fatto si che l’evento in programma all’Orto Botanico fosse cancellato ad una settimana dalla rappresentazione. Una Madonna Fata-Turchina che ostenta tra le braccia il corpo morto di un Cristo Pinocchio trans è bastata a sollevare un polverone che si è consumato con la decisione del rettore Gianni Melis di non mettere a disposizione l’Orto Botanico, di proprietà dell’Università, poichè manca dei requisiti necessari alla sicurezza. Problema che casualmente si è verificato esclusivamente per questa rappresentazione, sembrerebbe infatti che la compagnia sia stata richiamata a modificare i manifesti in caso contrario lo spettacolo sarebbe saltato. E così è stato. Altro che questioni tecniche, solo irriverenza e blasfemia alla base della decisione del Magnifico Rettore. Ma le LucidoSottile, al secolo Tiziana Troja e Michela Sale Musio, non si danno per vinte e annunciano che lo spettacolo verrà rappresentato per strada come protesta ad una reazione inquisitoria che non ha motivo di esistere. Staremo a vedere.

Effetto Schnabel

2011-07-04T06:30:00.000-07:00

Pittore, scultore, regista e sceneggiatore dalla travolgente forza espressiva e dalla seduttiva visionarietà. Venezia celebra il maestro del Neo Espressionismo: Julian Schnabel. Con una significativa e ben allestita antologica…

Vide persone e rovine, movimenti e crolli, l’accumulo del tempo sui muri, (...) le facce spezzate di cattedrali in cui il tempo non era trascorso ma si era ammassato. Declama la frase di William Gaddis riportata nella biografia di chi ha diretto il cult movie Basquiat e Lo scafandro e la farfalla e che appare particolarmente appropriata alla retrospettiva che Venezia gli dedica. Stiamo parlando di Julian Schnabel (New York, 1951), le cui opere Wenders ha voluto sul set di The Million Dollar Hotel.

In stretta connessione con quella cinematografica, la produzione artistica di Schnabel assimila culture diverse in un linguaggio poetico fortemente autobiografico fatto di citazioni letterarie di autori che da Omero giungono a Burroughs. Oltre quaranta opere in ordine cronologico tracciano le linee cardine del percorso artistico dagli anni Settanta ad oggi fortemente influenzato da Pollock e Twombly senza trascurare la tradizione europea che vede in Gaudì e Picasso i maggiori ispiratori.

Sono infiniti i supporti dove l’artista lascia confluire immagini e segni dalla impetuosa e coinvolgente forza espressiva. Legno, ceramica, velluto, vele, tappeti, fotografie fanno da sfondo a forme che lascia emergere spontaneamente durante il processo creativo alternando figurazione ad astrazione. Credo che la lotta tra figurazione e astrazione sia una tematica del tutto irrilevante. Qualsiasi cosa può diventare soggetto di un quadro. D’altronde così come si immerge istintivamente nella materia pittorica in un flusso irrefrenabile - come nei Surf Paintings, tele alte oltre sei metri dedicate alla settima arte e al surf -, l’artista struttura scenari che vanno oltre la bidimensionalità della rappresentazione come i Plate Paintings, realizzati su frammenti di ceramica dove storia e cultura si sovrappongono e stratificano.

In costante tensione per il dominio della materia, a superfici brulicanti e ispessite - che ritornano nelle tele catramate dove immortala le montagne del Nord Africa - interpone quelle più sfumate dei Japanese Paintings, foto digitali della casa al mare e dello studio a Mountauk elaborate pittoricamente dalla forte valenza simbolica dove l’obiettivo è quello di trascendere la realtà. Una retrospettiva che merita sotto tutti i punti di vista, dall’allestimento mozzafiato dell’androne d’ingresso con gli imponenti teloni a quello dello scalone fino alla scelta delle opere, sopratutto per quanto riguarda i ritratti sui cocci dove emerge uno dei maggiori capolavori: The sea, una tra le tante opere dedicate al mare. Elemento onnipresente nell’opera di Schnabel che concepisce l’acqua come metafora di libertà e rigenerazione, poiché sprofondare nelle acque per l’artista significa iniziare il viaggio per l’eternità, e annegare un evento intimo.

A Gavoi per Sfogliare il tempo

2011-07-02T09:41:00.000-07:00

Sfogliare il Tempo: è questo il sottotitolo della nuova edizione dell’Evento Immobile, per promuovere il quale come ogni anno il Museo Man va in trasferta a Gavoi in occasione del festival letterario L’Isola delle Storie. Giunto alla sua quinta edizione e curato da Cristiana Collu, Saretto Cincinelli e Alessandro Sarri, fino al 3 luglio propone tre opere video dell’artista americana Margot Quan Knight dal titolo Surface.

In collaborazione con Casa Masaccio, la rassegna, il cui obiettivo è analizzare ciò che di permanente insiste costantemente in ogni immagine in movimento, si articola in vari eventi tra la Toscana e la Sardegna, per concludersi il 17 settembre con la mostra di San Giovanni Valdarno che vedrà la partecipazione di Emanuele Becheri, Katharina Segura Harvey, Alejandro Moncada, Paolo Meoni, George Drivas, Ane Mette Hol, Alexandra Navratil, George Drivas, Alexandros Papathanasiou, Margot Quan Knight, Jutta Strohmaier, Arnold von Wedemeyer, Rob Carter, Kathrin Sonntag, Ken Jacobs, Malcolm Le Grice, Hollis Frampton.

Cuore di cane

2011-06-30T03:42:00.000-07:00

Artista radicale che attinge all’ambito socio-culturale della Russia sovietica e post-sovietica, Oleg Kulik si pone in antitesi all’antropocentrismo. Per un dialogo tra uomo e animale. In mostra la serie “The Russian”, tratta dalle sue disarmanti performance. A Cagliari, fino al 30 giugno.

Dissacrante provocatore al limite dell’assurdo, autore di performance estreme tra show e shock, censurato a Parigi nel 2008 e presente alla 54. Biennale all’interno del progetto Glasstress, Oleg Kulik (Kiev, 1962) approda a Cagliari per inaugurare il nuovo spazio espositivo 18diviasulis. Dieci serigrafie tratte dalle sue performance indagano il lato animale dell’umanità, nel tentativo di ricondurre l’uomo a uno stato primordiale, alla ricerca dell’istinto più viscerale scevro da valori antropologici.

Influenzato dal Concettualismo moscovita, reagisce alla cultura imperialista e al conflitto fra natura e progresso nell’epoca della civilizzazione attraverso il suo alter-ego, il fedele Quilty. Il bulldog onnipresente in ogni frame della serie, dove riferimenti a icone come la piazza Rossa, il Mausoleo e la Biblioteca di Lenin fanno da sfondo a scene surreali cariche di dettagli nonché metafore. Teatrini grotteschi dell’esistenza.

S.O.S. Pianeta Terra

2011-06-15T04:04:00.000-07:00

Fortuna che ci sono gli eventi collaterali a salvare in extremis una Biennale noiosetta. Uno di questi è “Round the clock”, collettiva di artisti internazionali allestita nello Spazio Tethis. Per una riflessione intorno alla natura.

Fra arte ed equilibri precari della natura si colloca la riflessione di questa collettiva visivamente efficace, dai contenuti stimolanti e quanto mai attuali, che in un gioco di rimandi e alternanze reclama una maggior attenzione nei confronti del pianeta per salvaguardarne la salute, oramai sull’orlo del collasso. Un invito a vivere in modo consapevole, per ritrovare un legame col territorio, recuperare risorse ed energie che garantiscano il futuro del pianeta. Questo l’obiettivo del progetto che nell’esposizione segue un andamento circolare, che riflette l’incessante interazione degli organismi di un ecosistema, mentre l’impiego di materiali poveri, talvolta riciclati, rimanda a una dimensione di estrema semplicità, indispensabile per garantire una maggior e miglior vivibilità.

Muovendosi nella dimensione del sociale, i 15 artisti indagano i problemi delle biodiversità e dell’ecosostenibilità, auspicando la necessità di un ritorno a un’espressività più aderente all’esistenza umana attraverso la rielaborazione di codici per ritrovare l’armonia col mondo e assaporarne ogni percezione, senza mai dare nulla per scontato. Neppure il respiro. Come dimostra David Rickard che, in una performance durata 24 ore consecutive, ha esalato e riversato aria pura e frescaattraverso una maschera respiratoria all’interno di una serie di grossi palloni, ora in bella mostra tra gli altri pezzi esposti.

Si focalizza, invece, intorno al concetto di classificazione e archiviazione della natura l’indagine di Francesco Bocchini, che restituisce una sorta di erbario visionario e fantastico, fiori e piante immaginarie esibite all’interno di teche opache. Un progetto tra natura e artificio dentro il quale si muove anche Eva Jospin, ultimo ingresso nella selezione della curatrice, con le sue foreste di cartone forgiate con una sega elettrica. Sculture povere che proiettano lo spettatore all’interno di prospettive stranianti di un mondo alternativo, tra realtà e finzione. Come quello che Maria Elisabetta Novello (in mostra con una centrata personale alla galleria il Traghetto, sempre a Venezia) crea al di là di grossolani tubi arrugginiti. Immagini sempre diverse che si aprono davanti agli occhi come in un caleidoscopio. Un gioco poetico ed effimero che è anche una riflessione sulla caducità dell’esistenza.

Sempre in natura si trova la spirale logaritmica che Matteo Sanna costruisce attraverso una serie di mangiatoie per uccelli occluse da vetri trasparenti. Mangiatoie ingannevoli come metafora di un’umanità concentrata a soddisfare bisogni e piaceri, a discapito di un equilibrio che diventa emergenza. Si serve della stessa struttura coclide Gianni Moretti, che trova ispirazione nella colonna della vittoria per srotolare su un piano – protetto da una lastra trasparente – sagome dagli abiti gessati. Uomini di potere mutilati che diventano feticci, a significare una casta corrosa e imputridita. Per una denuncia sociale leggibile anche nell’opera di Antonio Riello, che decontestualizza oggetti pericolosi come le armi mimetizzandole con carta da parati dai colori sgargianti. Ingannevoli strumenti solo apparentemente innocui. E perciò maggiormente inquietanti.

Ve la do io la Russia. Parola di Prigov

2011-06-12T09:30:00.000-07:00

Poliedrico artista russo ma anche poeta, scrittore e commediografo nonchè autore di performance musicali e teatrali. Dmitri Prigov, ovvero colui che ha restituito il ritratto fedele dell’epoca sovietica. In un indissolubile legame tra arti figurative e letteratura. A Venezia fino al 15 ottobre.

Più profondiamo per la Patria amore / Meno alla Patria andiamo a genio / Lo dissi un giorno e da allora / La mia idea non è venuta meno. Prolifico poeta russo - ha scritto oltre 20.000 poesie -, Dmitrij Aleksandrovic Prigov (Mosca, 1940 - 2007) in epoca sovietica uno degli intellettuali dissidenti, nasce come scultore per poi passare dalla grafica al collage, dalla poesia visiva all’installazione fino alla performance e imporsi come figura chiave del Concettualismo Moscovita. Movimento della cultura non ufficiale fino all’avvento della Perestrojka che si diffonde a cavallo tra gli anni ‘60 e ’70 nell’ambito delle arti plastiche e della letteratura e dove l’artista guarda sopratutto a Malevic e a Duchamp.

In una commistione imprescindibile tra arte figurativa e poesia dove la lingua è veicolo per decodificare e trasmettere significati complessi, Prigov sin dagli anni ’50 identifica la condizione drammatica della società sovietica e mette scena la parodia del regime socialista servendosi degli stereotipi del regime stesso, per dedicarsi nel decennio successivo alla poesia visiva e ai mini scritti in lattina. Negli anni Settanta gli schizzi diventano più inquietanti e il tema dell’orrore leit motiv della sua ricerca insieme a quello della morte, tema particolarmente drammatico se visto nel contesto russo. Prigov è terrorizzato dall’espansione nello spazio, il cosmo si trasforma in buio profondo e il paesaggio in orrore, persino i suoi autoritratti hanno lineamenti congelati, quasi fossilizzati. E’ la presa di coscienza che per la Russia non c’è salvezza. Per reazione scaturiscono progetti bianchi come spazi sterili di un ospedale, un cupo presagio dal momento che da lì a poco verrà arrestato e internato in ospedale psichiatrico, seppur per breve tempo.

La mostra è una conseguenza della donazione del corpus centrale dell’opera dell’artista all’Ermitage, da parte della Fondazione lo scorso anno, tutt’ora oggetto di ricerca di un team d’eccellenza. Disegni, oggetti e installazioni - alcune delle quali allestite per la prima volta in base agli schizzi preparatori dell’artista -, vanno ad integrarsi alle musiche o alle poesie che si diffondono tra le sale. Introdotta da tre video che documentano le performances poetiche dell’artista, da oltrepassare nel vero senso del termine in quanto fungono da sipari che si susseguono nella prima parte del corridoio, la mostra è introdotta e dominata dal “terzo occhio” e dal calice di vino. Mentre nel percorso brevi iscrizioni e forme verbali vengono incorporate a collage e disegni - tra cui fantastici bestiari di matrice medievale strutturati come storyboard - dove costantemente ritornano pietre, travi in legno, sedie senza gambe, tavoli e pile di carta. Gli oggetti spesso lignei, legati tra loro da corde sono immobilizzati e sospesi in un equilibrio irrazionale mai evidente al primo sguardo e per questo particolarmente sinistro.

La mostra coi suoi progetti aperti si configura come un’opera globale, una Gesamtkunstwerk. Un’opera d’arte totale dal forte impatto scenico che vuole essere una perfetta sintesi dei differenti linguaggi espressivi. E ci riesce.

Looking for Nothing di Enrico Piras

2011-06-09T03:26:00.000-07:00

Ogni tecnologia sufficientemente evoluta è indistinguibile dalla magia.

(Arthur C. Clarke)

In costante bilico tra realtà e finzione, l’indagine di Enrico Piras è fatta di riflessioni che viaggiano per binari paralleli per poi incrociarsi, sovvertirsi e adattarsi al contesto. In una dimensione ironica e a tratti grottesca che ha come obiettivo l’effetto di straniamento, la ricerca è intesa come cammino, come terreno fertile per una scoperta narrativa in continuo divenire. E dove la natura fittizia ne determina un metodo rigorosamente analitico che confluisce nella catalogazione e archiviazione di elementi decontestualizzati collocati in un percorso oscillante tra natura e artificio. Così come in Looking for nothing, progetto installativo realizzato ad hoc per la galleria che origina da una leggenda, da un racconto carpito involontariamente. Una storia immaginaria che vede protagonista una cassa paracadutata da un aereo inglese durante la seconda guerra mondiale. Era forse un cassa piena di viveri destinata alla sopravvivenza di qualcuno? Oppure un tesoro abbandonato in attesa d’essere recuperato? Conteneva materiale di cui era assolutamente necessario liberarsi? O era un trucco per depistare il nemico? Non è dato a sapersi. Così come nient’altro che riguardi il presunto avvenimento è dato a sapersi. Questo perchè l’avvenimento non è inteso come tale bensì è il pretesto per seminare indizi che permettano di reinventare il racconto. Di emulare la realtà visibile perchè il suo fine ultimo è quello dell’illusione e dell’apparenza. Non a caso per Schopenhauer il fenomeno è pura illusione, apparenza, sogno; tra la rappresentazione e la vera realtà si distende il “velo di Maya” (..) che avvolge l'uomo come in un sogno illusorio e gli impedisce di conoscere la vera essenza delle cose.

Looking for nothing vuole essere un vero e proprio terreno esplorativo fatto di steps da seguire, un archivio aperto alle dinamiche che la ricerca stessa crea e che prende avvio dai base camp - insediamenti provvisori - per proseguire con l’analisi del fenomeno dei cargo cult e dello spirito di emulazione che limita l’oggetto all’aspetto esteriore eludendone il reale funzionamento e che rappresenta la necessità dell’uomo di fondare le proprie convinzioni nella dimensione sovrannaturale quando le facoltà di comprensione sono insufficienti. Dopo una serie di immagini che documentano lo scavo si approda al rabdomante all’opera che nella sua ossessiva ricerca incarna il rapporto mistico che si crea tra lui e il territorio su cui si muove e alle scatole disseminate per terra che contengono ossa, pietre, piccoli oggetti rinvenuti durante gli scavi e alcune immagini di piccolo formato da osservare con una lente. Minuscoli frammenti e materiali disparati che s’incastrano come tasselli si sovrappongono, si mescolano e confondono per costruire un’altra storia. Ogni volta diversa e irreale, poichè come possono le immagini darci l’evento reale, se le immagini, la virtualità e la finzione s’infiltrano nella realtà? Si domanderebbe Baudrillard.

Ripetitività e cadenza del gesto sono una costante che vede il culmine nell’ultima fase del percorso: la stanza nella stanza, con il video girato con una videocamera fissata su uno slittino trascinato in un percorso circolare. L’esplorazione a questo punto si trasfigura in gesto ripetuto, diviene una sorta di litania dal ritmo ossessivo e cadenzato che si muove in maniera circolare. Come il percorso della ricerca fatta di ipotesi, sperimentazioni e tentativi, ma sempre senza una destinazione ben precisa. Un pensiero che gira su stesso. E che offre una traccia solo a chi ha voglia di cercare. (Roberta Vanali)

Testo di presentazione della mostra

Looking for nothing di Enrico Piras

a cura di Roberta Vanali

9 / 24 giugno Galleria Meme

A Olbia l’arte contemporanea viaggia a suon di terminal

2011-06-08T09:25:00.000-07:00

Dopo Art-Port Gallery, che ha visto la nascita di uno spazio espositivo all’interno dell’aeroporto di Olbia, voluto dalla Geasar (società che lo gestisce), è stata la volta diArt-Port Corner. Una parete espositiva all’interno del self service che nel giro di pochi mesi ha fatto da prestigiosa vetrina a 11 artisti sardi. In questo nuovo progetto prende forma Art-Port Wall, l’ultima sezione del muro più rilevante per dimensioni e posizione – si estende, infatti, per tutta hall centrale -, curato nel suo esordio dal Museo Man di Nuoro che per l’occasione propone Far away so close di Vincenzo Pattusi (Nuoro, 1978). Sei riproduzioni stampate su tela che occupano complessivamente 130 metri lineari. Una sorta di monumentale arazzo che rivela l’appartenenza al mondo dei writers dell’artista, ma anche il legame con la tradizione sarda, visibile nei motivi decorativi di tessuti e tappeti che fanno da fondale alle figure.

È all’aeroporto di Olbia la nuova sezione del Man di Nuoro. Debutto sardo per l’Art-Port Wall

2011-06-08T04:40:00.000-07:00

Sei riproduzioni stampate su tela che occupano complessivamente 130 metri lineari. Una sorta di monumentale arazzo che rivela l’appartenenza al mondo dei writers dell’artista, ma anche il legame con la tradizione sarda, visibile nei motivi decorativi di tessuti e tappeti che fanno da fondale alle figure.

54. Biennale di Venezia - Eventi collaterali e non solo

2011-06-05T05:46:00.000-07:00